Santana e le cinque strategie di ascolto
Santana è una palestra particolarmente completa per Ascolta e pentiti perché la sua musica mette in relazione rock, blues, jazz, ritmi afro-cubani, improvvisazione, spiritualità e canzone popolare.
Il nome Santana indica contemporaneamente una band mutevole e l’identità musicale di Carlos Santana. Nelle prime formazioni, organo, basso, batteria e percussioni possiedono un’importanza pari alla chitarra. Negli anni successivi, Carlos diventa sempre più chiaramente il centro timbrico del progetto, fino agli album costruiti attraverso cantanti e collaboratori differenti.
La discografia comprende oltre venti album in studio dei Santana, numerosi lavori dal vivo e vari progetti solisti o collaborativi di Carlos. Il debutto del 1969 portò il gruppo al successo dopo l’apparizione a Woodstock; Abraxas raggiunse il primo posto negli Stati Uniti, mentre Supernatural riportò Santana al vertice delle classifiche trent’anni dopo.
Nessun album attiva una sola strategia. La classificazione indica semplicemente quale dimensione conviene portare inizialmente in primo piano.
1. Pulsivo-ciclica
Santana III
È il disco nel quale la dimensione collettiva e percussiva dei primi Santana raggiunge la massima intensità.
La musica non è costruita soltanto intorno agli assoli di Carlos. Batteria, basso, congas, timbales, organo, voce e chitarre formano cicli sovrapposti. La presenza del giovane Neal Schon aggiunge una seconda chitarra e rende ancora più mobile il rapporto fra accompagnamento e primo piano.
In Batuka, le percussioni stabiliscono il terreno prima che le chitarre assumano la guida. No One to Depend On si sviluppa attraverso un riff e una risposta corale, mentre Everybody’s Everything collega groove latino, fiati e immediatezza soul. Toussaint L’Overture porta il ciclo verso una forma più lunga e incalzante.
Brano di attivazione: No One to Depend On
Quale figura mantiene il ciclo mentre percussioni, organo e chitarre modificano la densità?
Focus: percussioni, basso, riff, risposta corale e incastro.
2. Lineare-orizzontale
Amigos
È il disco nel quale la chitarra di Carlos Santana emerge con particolare chiarezza come voce cantabile.
In Europa (Earth’s Cry Heaven’s Smile) la chitarra non procede principalmente attraverso velocità o virtuosismo. Costruisce una linea attraverso note sostenute, vibrato, intensificazioni e pause. L’assolo può essere seguito come una voce che sviluppa lentamente un’unica frase emotiva.
Dance Sister Dance mostra una linea più ritmica e corporea; Let It Shine porta in primo piano il canto; Take Me with You collega melodia strumentale, accordi e crescita energetica.
Il disco segna un ritorno a forme più accessibili dopo la fase fusion, senza eliminare la raffinatezza timbrica e strumentale maturata negli album precedenti.
Brano di attivazione: Europa
Dove sta andando la frase e come vibrato, durata e intensità trasformano una nota in espressione?
Focus: chitarra, respiro, vibrato, registro e continuità melodica.
3. Simultaneo-verticale
Abraxas
È il disco più adatto per percepire l’equilibrio fra le parti della formazione classica.
In Black Magic Woman/Gypsy Queen, la chitarra principale convive con organo Hammond, basso, batteria e percussioni. Nessun elemento è puramente decorativo: l’organo di Gregg Rolie costruisce accordi e risposte, mentre congas e timbales articolano il movimento senza limitarsi a raddoppiare la batteria.
Oye Como Va rende l’incastro ancora più evidente. Il riff d’organo stabilisce l’identità del brano; basso e percussioni creano il ciclo; voce e chitarra si alternano nel primo piano. Incident at Neshabur aumenta invece la complessità armonica e il dialogo fra rock, jazz e ritmi latini.
Brano di attivazione: Oye Como Va
Quali strumenti formano il groove e quale parte modifica la configurazione quando entra?
Focus: organo, basso, percussioni, chitarra e distribuzione dei registri.
4. Timbrico-spaziale
Carlos Santana e Alice Coltrane: Illuminations
È il progetto nel quale la chitarra di Santana viene collocata nello spazio più contemplativo e orchestrale.
La collaborazione con Alice Coltrane riduce l’importanza della normale forma-canzone e del riff rock. Archi, arpa, tastiere, bordoni, percussioni e chitarra costruiscono un ambiente spirituale nel quale i suoni sembrano emergere, espandersi e dissolversi.
In Angel of Air/Angel of Water, la forma nasce dalla trasformazione del colore e della densità. Bliss: The Eternal Now porta la chitarra verso una funzione quasi estatica, mentre Illuminations invita a percepire l’intero insieme come un campo sonoro più che come una successione di assoli.
Brano di attivazione: Angel of Air/Angel of Water
Dove sembra collocarsi la chitarra e come cambia lo spazio quando entrano archi, arpa e tastiere?
Focus: risonanza, distanza, bordone, materia orchestrale e contemplazione.
5. Formale-energetica
Caravanserai
È il disco nel quale Santana abbandona più decisamente la successione di canzoni autonome per costruire un viaggio continuo.
L’album si apre con suoni naturali e un ambiente quasi notturno. Da Eternal Caravan of Reincarnation a Waves Within, l’energia cresce senza una brusca separazione fra i brani.
Song of the Wind porta la chitarra verso una lunga espansione, mentre All the Love of the Universe introduce una forma più cantata. Every Step of the Way conduce il percorso verso un finale orchestrale e percussivo.
La strategia dominante è formale-energetica perché il senso dell’opera dipende dalla memoria delle trasformazioni: rarefazione, ingresso del ritmo, espansione solistica, addensamento e apertura conclusiva.
Brano di attivazione: Song of the Wind
Come cambia l’energia quando l’assolo cresce senza abbandonare il flusso collettivo?
Focus: transizione, improvvisazione, accumulo, climax e continuità.
Il disco full body
Lotus
Il triplo album dal vivo registrato in Giappone è il punto nel quale le cinque strategie collaborano con maggiore intensità.
Le percussioni mantengono cicli stratificati; chitarra, organo e sassofono sviluppano linee autonome; l’insieme crea configurazioni verticali dense; il suono dal vivo costruisce uno spazio ampio e fisico; le lunghe esecuzioni trasformano progressivamente l’energia.
Brani provenienti dai primi album convivono con il materiale jazzistico di Caravanserai e Welcome. Black Magic Woman, Oye Como Va, Toussaint L’Overture, Incident at Neshabur e Every Step of the Way vengono ampliati dall’interazione e dall’improvvisazione.
Lotus non presenta Santana come un chitarrista accompagnato da una sezione ritmica. Mostra un organismo nel quale ogni musicista può modificare il percorso.
Brano di attivazione: Toussaint L’Overture
Quale strategia passa in primo piano e come viene modificata dall’interazione dal vivo?
Focus: integrazione di ciclo, linea, verticalità, timbro e forma.
L’esame finale
Borboletta
Borboletta verifica la capacità di passare rapidamente fra contemplazione, jazz-rock, funk, canto e improvvisazione.
Spring Manifestations introduce un ambiente naturale e rarefatto. Canto de los Flores porta verso una dimensione melodica e contemplativa. Life Is Anew e Give and Take rimettono in movimento il ciclo; Promise of a Fisherman sviluppa una forma strumentale più ampia e vicina alla fusion.
La difficoltà non consiste in un singolo linguaggio particolarmente ostico. Consiste nel riconoscere quando cambiare domanda: seguire il groove, la chitarra, le sovrapposizioni oppure il paesaggio.
Brano di attivazione: Promise of a Fisherman
Quando l’accompagnamento diventa primo piano e quando l’assolo torna a essere parte del gruppo?
Focus: mobilità, fusion, atmosfera e cambiamento di funzione.
La routine Santana
- Pulsivo-ciclica: Santana III
- Lineare-orizzontale: Amigos
- Simultaneo-verticale: Abraxas
- Timbrico-spaziale: Carlos Santana e Alice Coltrane, Illuminations
- Formale-energetica: Caravanserai
- Integrazione full body: Lotus
- Esame finale: Borboletta
La routine racconta anche una trasformazione storica:
- la fusione originaria fra rock e ritmi latini;
- l’espansione verso jazz e spiritualità;
- il ritorno alla melodia;
- la sintesi popolare delle fasi successive.
Classificazione sintetica
Prevalentemente pulsivo-ciclici
- Santana: percussioni, blues e fisicità originaria;
- Santana III: massima intensità collettiva della prima formazione;
- Festival: ritorno a ritmo, danza e immediatezza;
- Shangó: groove rock e produzione dei primi anni Ottanta;
- Africa Speaks: cicli percussivi e dialogo con la voce di Buika.
Prevalentemente lineare-orizzontali
- Amigos: chitarra cantabile e centralità della melodia;
- Moonflower: confronto fra performance dal vivo e brani in studio;
- Zebop!: linee chitarristiche e canzone rock;
- Blues for Salvador: chitarra come voce narrativa;
- Shape Shifter: ritorno al repertorio prevalentemente strumentale.
Prevalentemente simultaneo-verticali
- Abraxas: equilibrio fra organo, chitarra e percussioni;
- Welcome: jazz, voce, fiati e armonie più dense;
- The Swing of Delight: incontro con musicisti e linguaggi jazzistici;
- Santana IV: ricostruzione dell’interazione della formazione storica.
Prevalentemente timbrico-spaziali
- Illuminations: spiritualità, archi e spazio contemplativo;
- Oneness: Silver Dreams – Golden Reality: montaggio fra ambienti e stili;
- Milagro: atmosfera spirituale e produzione stratificata;
- Corazón: pluralità di voci e colori latinoamericani.
Prevalentemente formale-energetici
- Caravanserai: viaggio continuo e trasformazione graduale;
- Borboletta: mobilità fra contemplazione e fusion;
- Love Devotion Surrender: dialogo solistico e crescita estatica.
Massima integrazione
- Lotus: interazione dal vivo e collaborazione delle cinque strategie.
Mobilità popolare
- Supernatural: alternanza di cantanti, generi e forme radiofoniche.
Il ritorno popolare
Supernatural
Supernatural, pubblicato nel 1999, riportò Santana al centro della popular music attraverso una struttura fondata sulle collaborazioni.
La sua funzione percettiva non consiste nella purezza di un solo linguaggio. Ogni cantante e ogni produzione chiedono a Carlos Santana di ricollocare la propria chitarra in un ambiente differente.
In Smooth, la chitarra dialoga con la voce di Rob Thomas dentro un ciclo latino-rock estremamente leggibile. Maria Maria riduce il gesto della chitarra e porta al centro ritmo e produzione. Put Your Lights On costruisce un ambiente più scuro; The Calling, con Eric Clapton, amplia lo spazio dell’interazione chitarristica.
Il disco può essere penalizzato dallo snobismo perché costruito attraverso ospiti, singoli radiofonici e una produzione molto accessibile. Proprio questo lo rende utile: permette di verificare come una forte identità timbrica possa attraversare contesti differenti senza scomparire.
Brano di attivazione: Smooth
Che cosa rende immediatamente riconoscibile Santana anche quando cambiano cantante, genere e produzione?
Focus: identità timbrica, adattamento, groove e comunicazione.
Gli album principali rimanenti
Santana
Il debutto del 1969 è la scuola del corpo collettivo. Waiting, Evil Ways, Jingo e Soul Sacrifice mostrano l’incontro fra blues, psichedelia, organo e percussioni.
Welcome
Prosegue la svolta jazzistica di Caravanserai, ma introduce una maggiore presenza vocale e armonica. Going Home, Love, Devotion and Surrender e Flame-Sky collegano spiritualità, jazz e improvvisazione.
Festival
Riporta in primo piano danza, canzone e immediatezza. È meno radicale degli album precedenti, ma utile per ascoltare come Santana riassorba la fusion dentro forme più brevi.
Moonflower
Alterna studio e concerto. Il confronto rende percepibile la differenza fra controllo fonografico ed espansione dal vivo. She’s Not There offre una porta melodica; Flor d’Luna valorizza la chitarra cantabile.
Inner Secrets e Marathon
Spostano il gruppo verso un rock più compatto e radiofonico. Sono utili per osservare il cambiamento delle priorità: meno percussioni, maggiore centralità della canzone e produzione tardo-anni Settanta.
Zebop! e Shangó
Ricostruiscono un equilibrio fra chitarra, rock e accessibilità negli anni Ottanta. Winning, Changes e Hold On mostrano come Santana possa inserirsi in forme pop senza rinunciare alla propria identità.
Milagro
È uno dei dischi più interessanti del periodo meno fortunato commercialmente. Riunisce groove, spiritualità e paesaggio, anticipando alcuni aspetti della rinascita successiva.
Shaman e All That I Am
Proseguono la formula collaborativa di Supernatural. La varietà degli ospiti rende meno unitaria l’identità degli album, ma offre una palestra sulla capacità della chitarra di adattarsi a voci e produzioni differenti.
Santana IV
Riunisce Carlos Santana con membri centrali della formazione dei primi anni Settanta. Il valore non è soltanto nostalgico: permette di confrontare una memoria stilistica con il suono e l’età degli esecutori nel presente.
Africa Speaks
Caratterizzato dalla voce di Buika, riporta in primo piano percussioni, improvvisazione e intensità collettiva. È una delle opere tarde più utili per la strategia pulsivo-ciclica.
Perché Santana può essere un’ancora
Santana è un’ancora quando abbiamo perso il rapporto fra corpo e improvvisazione.
La pulsazione non è una base neutra sulla quale il solista dimostra la propria abilità. Congas, timbales, batteria e basso costruiscono un campo vivo al quale la chitarra deve continuamente reagire.
Carlos Santana mostra inoltre che la tecnica non coincide con il numero delle note. Una singola nota può acquistare significato attraverso:
- attacco;
- sustain;
- vibrato;
- intensità;
- posizione nella frase;
- rapporto con le percussioni;
- spazio lasciato prima e dopo.
La sua discografia permette anche di superare due snobismi opposti. Il primo privilegia soltanto la fase jazz-rock e spirituale, considerando commerciale tutto ciò che viene dopo. Il secondo riduce Santana ai grandi successi di Abraxas e Supernatural, trascurando le opere più aperte e contemplative.
Il metodo non deve scegliere fra purezza e popolarità. Deve riconoscere che album differenti allenano capacità differenti.
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